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-Too Much Cotton

von Herbert Kuhner am 20. April 2020 um 16:10
Veröffentlicht in: Film, Polemics, Text

Too Much Cotton

Orson Welles reaped great praise for Touch of Evil, a sloppy job compared with Kane, but nevertheless with moments of greatness like all post-Kane films.
A corpulent Welles plays a dishevelled cop, but he felt needed a bit of padding for the jowls, so cotton was the answer. The padding is too much of a bad thing. Guess the Kane make-up man was not available. Ditto for Brando’s elderly Mafioso in Godfather! His comeback got him an Oscar but you know that the cotton is there,
and knowing it as well as having it, makes chills run up and down your spine. It must have affected the acting in one way or another. Guess the Oscar jury ignored it. Master-actor Larry Olivier would have said: “Why don’t you try acting, dear boy?!” And he might have added: “Fire the makeup man!”

Touch-of-Evil-Menzies-Quinlan

 

Orson

I started at the top and worked my way down.
– Orson Welles

Orson Welles often pulled the chestnuts out of the fire,
but he threw them in just as often.

I saw Citizen Kane in 1955 at the 55th St Playhouse, which is off Seventh Ave. At the time it was still an “art house.” Years later it was transformed into a porn theater, like so many art houses. Perhaps there is a connection, since the old art houses showed European films in which there was sometimes a glimpse of nudity, the only glimpses in those puritanical days. Now those venues show the blow-by-blow blow-ups of the real McCoy.

 

 

No doubt about it, Orson was a bit of a mountebank and a conjurer, not to say impostor. In young years, he learned the tricks of a magician. That’s how he won Rita Hayworth. He put on a magic show and she was the decoration. Orson sawed her in half, and when he put her together again, she was so dazzled that she married him. A Hollywood star married a Hollywood man. He may have been a maverick, but he started out as a Broadway maverick and became a Hollywood maverick. Yes, you can’t imagine Welles without Hollywood, nor can you imagine Hollywood without Welles.

Orson was a wheeler-dealer who could talk people into doing things for him. He sold Harry Cohn of Columbia the idea of buying a book that he had spotted in a pocket book rack in a drugstore while on the phone. Harry bought the book and forked over forty grand to Orson, which was a lot of dough in the Forties. When read, the unread Lady turned out to be so lousy that Orson had to write the script form scratch. The only part of the book that survived in the film was the title.

Welles had put Harry Cohn on, and Harry would get even with him. The question is: Did Orson Welles the magician, at times, put the public on?

Orson, prior to Citizen Kane, was the greatest juggler of the performing arts that the world had ever seen, but after Kane he dropped balls all over the place. Before the age twenty-five, you may be able to bat around from radio shows to the theater and to the film studio, but after that, juggling becomes more difficult, and you have to hang around to complete a job until it’s finished to your satisfaction. But juggling well or badly wasn’t the whole story. Lady Luck had been Orson’s constant companion up to Kane, but afterwards she abandoned him and the magic went with her.

Biting off more than you can chew invariably means ending up with a stomach ache.

In Kane, Welles went about “inventing” cinema. Here’s what Gregg Toland, the great cameraman, had to say: “I want to work with someone who’s never made a movie. That’s the only way to learn anything – from someone who doesn’t know anything.” In other words, being new at the game, Welles was bound to do things that you shouldn’t do.

What Welles didn’t know, he learned. And he learned it like no one before or after him.

Here’s an example of direction by Orson: “Gregg, I want to see that light before the sun comes up. Toland replies “Well, we never have that in movies.” “We should,” says Orson. And Gregg went about doing what Orson had suggested. The result can be viewed in the all-night newspaper scene in Kane.

Welles hadn’t seen many films before directing Kane, and he didn’t see many after Kane.

 

 

His motivation: “Innocence is quite a serious concern. The better another man’s film may be, the more I stand to lose by seeing it. When I look through the camera, I need to look with my own innocent eye – to stand alone with every new scene, not in the company of other directors, however august.”

His aspiration: “I want to use he motion picture camera as an instrument of poetry.”

And his definition: “A film is a dream, but a dream is never an illusion.”

Kane was Joseph Cotten’s first film. He made his debut playing an aged Jedediah Leland in the famous hospital scene. “Orson, you promised to break me in gently. I’ll probably go on playing old men’s parts until I’m fifty, then people will say: “My, doesn’t Cotten preserve himself remarkably well. He hasn’t changed a bit in twenty years.”

The Goliath that David chose to strike down in Kane was William Randolph Hearst, the tabloid magnate, and probably the most powerful and influential man in America. By making Kane, David had struck Goliath and everything Goliath stood for, right smack on the temple with a celluloid stone. Goliath, the purveyor of reactionary mediocrity, got up swinging, and used his yellowsheet power to bring David down as a filmmaker.

A wounded Welles, got up to direct and act in other films, but the damage Hearst rendered was permanent.

Welles could never get it together again after Kane, or if he did get it together, others took apart.

There would be flashes of brilliance – but only flashes.

No doubt about it, Hearst was Kane’s model, but the film was more than a film à clef, and it transcended the biographical aspects. And it is much more than a statement about power and wealth.

In my opinion, as well as the opinion of many others, Kane was and is the greatest American film ever made, if not the greatest film of all time. The more it ages, he fresher it becomes. In these days of color, it makes the best case for the merits for the black and white film. And in these days of location scenes, it makes the best case for studio shots.

Sam Goldwyn of the Metro duo loved Kane, but Louis B. Mayer, the other half, at Hearst’s behest, tried to buy up all the copies to destroy them. Louis assayed the destruction of Kane after the Third Reich book bonfires in Berlin. The MGM mogul needs a good sophist in his corner to justify his American attempt.

Sam Goldwyn

Kane was not Gone with the Wind, which is nothing to be ashamed of. At the time it was a financial flop, with a little help from Hearst and his minions, but it would prove to be a major grosser in the long run. It may not be the greatest grosser of all time, but if you want to judge the quality of films – or books – by the amount of money they make, judging merit would be a very simple matter.

Welles had a terrific supporter in George Schafer, RKO studio head, but Kane would also bring about his downfall. You can compare Schafer to Maxwell Perkins, the great Scribners’ editor of Fitzgerald, Hemingway and Thomas Wolf, in the field of literature. And you can compare him to Paul Whiteman, the foremost promoter of jazz, as well as of composers like Gershwin and Grofé, in the field of music

Welles chose a Booth Tarkington novel as his second film subject. He continued his juggling act and his peripatetic habits, but managed to complete The Magnificent Ambersons to his satisfaction. Catastrophic comments by a teenage audience at a sneak preview put RKO in a dither, and the moguls got panicky. Welles the juggler was off in Brazil working on his documentary, It’s All True, which would never reach completion. Years later it would turn up as a fragment. In his absence Schafer was fired and replaced by Charles Koerner, who was the antithesis of Schafer. Koerner asked William Wyler to doctor up Ambersons, but Wyler, a man of integrity, refused out of respect for Welles. Jack Moss, Welles’ business manager and a true Judas, was the first to use the shears. Director Robert Wise also tampered with the film by cutting it and shooting new scenes. Robert Wise was Robert Dumb for consenting to bowdlerize a great director’s film. But bowdlerizing wasn’t enough for Koerner, who ordered the cut footage destroyed. Thus Koerner and Louis Mayer take the cake as the arch villains of the film industry. Instead of concentrating on the Ambersons situation, Welles was off fiddling with Journey into Fear, which he co-directed with Norman Foster. Foster needed Welles help since he couldn’t make heads or tails out of the slapdash script. Welles mourned that Journey had been “run through a broken lawnmower.” (That very same lawnmower was oft used on his films, and damn it, he failed to salvage the pre-lawnmowered versions.) Journey, ended up as a badly-cut pot boiler with a corpse turning up alive after it had been killed. Working slapdash and piecemeal can only lead to catastrophe, and it did for Welles.

Welles claimed that Ambersons, in its original form, was a better film than Kane. And I may be a smart aleck for saying this, but Welles should have been present to take care of his film, instead of being elsewhere. He couldn’t have stopped the mutilation of the film, but he could have saved the cut footage, at gunpoint if need be. An artist’s work is his spiritual property, and no one has the right to destroy it. But you can’t take care of your property if you’re not at the scene of the crime.

(Now, belatedly, the complete Magnificent Ambersons can be viewed – not the Welles film, however. A TV-film, based on the original screenplay, was shown in 2002, with a new director and cast.)

Orson-Welles

Welles was not the only one to fail to prevent cut film material from being discarded. John Huston’s Red Badge of Courage suffered the same fate as Ambersons. It was pared down to 68 minutes by MGM (Louis B. Mayer again) and ended up as the second half of a double-feature bill. Huston, who had directed commercially successful films, apparently couldn’t prevent the studio bosses from slicing away, and he too did not preserve the discarded material.

After a career of masterpieces like The Maltese Falcon, Fat City and Wise Blood, as well as mediocre commissions like “The Bible,”Huston ended his life by setting an example for all artists. As a dying man in a wheelchair, with an oxygen mask within reach, Huston tackled James Joyce’s unfilmable, The Dead. In the manner of great artists, he defied Death, but Death, always intent on being the Master, took him before he could complete it. His son Danny had to add the finishing touches. The result is an immortal film of an immortal story.

Erich von Stroheim, who expressed admiration for Kane after its premiere, was the precursor of Welles as a man of self-indulgence. He invariably overextended his shooting schedule and delivered films that went far beyond feature length. His films were paired down and, you guessed it, the cut material was not preserved. Thus Stroheim can only be judged by the fragmentary works that are left.

The question is: were these men more sinned against than sinning?

As an artist, I am on the side of the artist, but if an artist does not deliver work called for in his contract, he must share the blame for the consequences. The fates of Stroheim and Welles invite comparison. They were both directors who aided their adversaries in ruining their chances. Self-indulgence is the trait most helpful in achieving an artist’s downfall.

After Ambersons, Welles would make films with moments of brilliance, but he would never carry through as he did on Citizen Kane. And, like Stroheim, he lend himself to a lot of lulus.

There were many films that he couldn’t live down. Here’s Bosley Crowther in The New York Times describing Tomorrow Is Forever, a tearjerker starring Claudette Colbert and directed by Irving Pichel: “…a straight piece of Hollywood taffy, slightly saline and gooey clear through.” Orson’s comment: “I was deeply ashamed,”

After he left the United States, he also abandoned American themes, with the exception of Touch of Evil, something I regret, since he had handled them so well.

Macbeth was a quickie in the Scottish burr. The witches take an effigy of Welles out of their witches brew, and when Macduff deals the death blow to Macbeth, the effigy is beheaded by the witches in an insert. A brilliant slice of Welles.

Othello was made piecemeal with actors in the cast who could not speak English. As a remedy, Welles dubbed the voices of several characters with his inimitable organ. (Ditto for the dubbing of The Trial.) Compared to the brilliantly fluctuating soundtrack of Kane, these fall shorter than short. But there I go: comparing these shoestring efforts to the first technically-polished and properly-financed effort that has been deservedly called a masterpiece.

Welles had been born to play Iago. He had assayed the role previously, alias Harry Lime, opposite Joseph Cotten in The Third Man and, alias Caesare Borgia, opposite Tyrone Power in the Prince of Foxes. In Othello, he chose to play the Moor. It could very well be that he had become too bulky to play the slinky villain.

In Chimes at Midnight, Welles had accumulated the girth necessary for Falstaff, but in my view he took himself too seriously to be able to play a comic role.

In Touch of Evil, Welles owed his directing credit to Charlton Heston. He was hired to act in it, and when the studio approached Heston, he said: “Any picture that Orson Welles is directing, I‘ll be glad to be in.” So the studio promoted Welles in order to get Heston.

 

Touch was Heston’s only film that had a B-film budget – and unfortunately it was treated accordingly. The studio bosses weren’t very sanguine about the chances of the dark, seamy film that Welles had delivered.

Welles’ makeup added to the overall impression. He was hopelessly overweight, but that did not suffice. He padded his body and the cheeks of his stubbled face.

But no matter how thick the makeup, he could never disguise himself. Welles always seemed to be Welles, alias Kane and alias Harry Lime.

Here’s an incident related in Peter Bogdanovich’s This is Orson Welles.

Orson: “We had seven weeks of overnight shooting – beginning at night and ending at dawn – And I’ll never forget Chuck Heston one night, at the end of those of those seven weeks seven weeks. He was on the far side of the bridge, and I told him to quickly cross over in a shot. Dawn was about to rise and he said, without irony or anger, very sweetly “Do you mind telling me why I’m crossing the bridge?” And I said, “No. just cross the bridge, and when you get here I’ll tell you.”

Peter: “You were losing light –“

Orson: “Yes – that’s why he was crossing the bridge, as I later explained to him.”

In Touch Marlene Dietrich tells Orson’s corrupt cop, “You’re a mess, baby.” That comment became a famous quote and dogged Orson for the rest of his life.

In Mr. Arkadin Welles made a mess. He assessed the film as “a flawed masterpiece…a disaster,” actually a contradiction in terms. Mercury-Player Joseph Cotten, installed his wife Patricia Medina in Arkadin. Mrs. Cotten was a B-film actress who bestowed a B-film aura to any film she appeared in.

(Charles Bronson carried on the tradition by stipulating that Jill Ireland’s name be inserted in every film contract. Mrs. Bronson was a desirable, sloe-eyed beauty, but her acting left a lot to be desired. Cotten and Bronson may have been ideal husbands, but they were guilty of film nepotism in the first degree.)

And again the old lawnmower had been brought into play.

Welles opens The Trial by reading The Doorkeeper off screen to abstract shades of black and white, a masterful rendition of the Kafka story. After the magnificent prologue, Tony Perkins looks out of place scurrying through European rubble and ruins in a Madison Avenue suit.

And so on.

In order to finance these efforts, there were many small parts in incidental films. Welles, the elder actor, said of himself: “They hire me when they have a bad film and they want a little class. I chip away a little of myself each time.”

However, Welles turned down a million dollars for a starring role in Caligula in 1980. The producer was Playboy Enterprises directed by Tinto Brass. After Welles read the Gore Vidal script, he had a premonition of the violent stinkbomb that would emerge and said “No.” Since this major venture, Brass has gone back to making spaghetti porn, with the emphasis on the physical attribute that rhymes with his last name.

Welles said that he’d rather be behind the camera than in front of it. Indeed he was not what you would call a versatile actor and was often accused of overacting. But whether good or bad, he was always interesting to watch, and the mellifluous voice was always worth listening to.

And no matter what film he was in, film, he did “add a bit of class.”

Here’s Welles’ theory on screen presence as expressed by Akim Tamiroff: “De box looks at vun fellow, and de box says ‘Yes, dot vun is for me!’ It looks at annoder, and it says, ‘Nawww!’”

He mentions Gary Cooper as actor who could do no wrong in any film. And come to think of it, he was right. The camera loved Gary.

I always enjoyed reading Pauline Kael, who left us at the ripe old age of 82. Her tastes weren’t my tastes, and she was never in my good books, but her descriptions of actors and scenes in films were brilliant. I’ve often wondered why critics who write so well don’t write fiction. But when she bashed Welles as director of Citizen Kane, she took a place in my bad books, right next to arch-villains Louis B. Mayer and Charles Koerner.

Imagine, trying to rob Welles of his one masterpiece! In Raising Kane, she claimed that Welles lifted the script from co-scriptwriter Herman Mankiewicz and took credit for the contributions of other members of his staff.

Let me interject that his older contemporaries barred young Picasso from their studios. They were afraid that he’d steal their ideas. He may have indeed have taken from others, but there is no doubt that Picasso was Picasso. And here’s Picasso on stealing: “It’s a poor artist who borrows – a good artist steals.”
It is true that Manky knew intimate Hearst details, which he passed on to Welles. The “Rosebud” emblazoned on young Foster’s sled is alleged to be the pet name Hearst used for Marion Davies’ Holy of Holies.

I wasn’t there to witness the situation, but I know that whatever Welles took from others, only he, Orson Welles, and no one else, could have put Kane together. The making of a film is and isn’t an individual business. It entails teamwork.

The film bears the mark of Orson Welles, who captained the finest team that anyone could put together.

When weighing the work of Welles, the Mercury and other theater productions should be placed on the scales. But unfortunately, in contrast to film, this ephemeral medium is only retained in photos, reviews and memory.

Welles keeps turning up in my writing and in my thoughts. I may have brought some negative aspects into this sketch, but they could never unfocus my admiration for a singularly great director and personality.

Quotes and information from Orson Welles and Peter Bogdanovich: This is Orson Welles, HarperCollins, 1993.

 

The Son of Kane

 

You couldn’t film a prequel to Citizen Kane because the film begins with Kane’s childhood, and you can‘t film a sequel since the film ends with his death. So The Return of Kane is out. The only other possibilities are The Son of Kane or Kane’s daughter.

“What’s that? Kane died childless?

“Don’t be ridiculous! A son or daughter could very well show up. It wouldn’t be the first time progeny came out of the blue. The mother has to know – but not necessarily the father!

There was The Son of Monte Cristo, The Son of Robin Hood. The Son of Ali Baba and The Son of Frankenstein. There were sons galore, including the Sons of King Kong and Godzilla. Ditto for daughters. There was The Daughter of Rosie O’Grady and The Daughter of Dr. Jekyll, So why shouldn’t there be The Son of Kane – and maybe a daughter-sequel to that.

The intellectual crowd is a cinch, since they’ll want to see how the Kane story develops. They’re not to be scoffed at. After all they keep Woody Allen afloat, don’t they? And we’ll make the film appealing to the average moviegoer. He wants to see a classy film, now and then, just to prove that he’s not lowbrow.

“Now Listen! Kane was shot in black and white, and there was no nudity in those days. We’ll shoot the Son-film in color and spice it up with some nude scenes. We’ll see to it that the sequel is even better than the original.

Junior will be modeled on Murdoch, but we’ll be sure to show his good side. That way, we’ll avoid the kind of trouble that Hearst caused for the Welles Film.

How can we miss? This one will be in the bag. And then we’ll see what we can do with the daughter?

-Herbert Kuhner

-Interdenominational Occurrences

von Herbert Kuhner am 17. März 2020 um 15:38
Veröffentlicht in: Allgemein, Text

Interdenominational Occurrences

Toni Faber, Chaplain of St. Stephan’s Cathedral priest extolls an artist: “I have much in common with Hermann Nitsch. I have always a fan of this artist. I even have an original Nitsch painting in my apartment.” [1]

„God`s party animal Chaplain Toni Faber“

 

Here are excerpts from “The Conquest of Jerusalem”
(by Hermann Nitsch, Wasmuth, Tübingen; Köln, 1973)

“after christ has slaughtered a cow, he lies down on the back of the skinned animal which is still twitching, licks the sexual organ of the cow and sticks his tongue deep into it…

after christ has slaughtered a bull, he lies down on the back of the skinned animal which is still twitching, sucks urine out of the sexual organ of the bull….

and bites the bull’s sexual organ….christ lies down on the warm belly of the freshly slaughtered bull and sucks blood from the wound where the testicles have been severed.…

christ slips and falls and no. 38 jumps on him and sticks his tumescent penis in christ’s anus and copulates with him.”

St. Stephen’s Cathedral, Vienna

 

Happy Easter, Folks!

And a quote from the Arbeiter-Zeitung: “During a Black Mass the Viennese Actionist Günter Brus, 36, his wife Anni, 31, Hermann Nitsch, 36, and Karl Heinz Cibulka slaughtered an Easter lamb in Naples, crucified the animal and smeared themselves with its blood.” [4]

 

Cruelty to Man and Beast

“Nitsch is the greatest animal lover I know. I was present in the Nitsch household when his wife swatted a mosquito and caused a major marital crisis. Nitsch gave vent to his anger over the senseless death of this living thing.” [2]
– Danielle Spera, Director of the Jewish Museum, Vienna

And here’s impartial coverage by Profil, magazine, after extensive research:
“Nitsch, who never slaughtered an animal in his life, is constantly referred to as a slaughterer.”[3]

Otto Mühl: “Nitsch is a sadist with a mania for approbation, an autistic alcoholic who’s completely narcissistic and a mother’s boy who didn’t get enough attention. Rainer is genuinely violent and a sadist. Nitsch torments the participants in his actions; they’re constantly freezing. He arranges that intentionally. I’d like to know how many became ill, how many caught pneumonia, how many died.” [5]

“I knew a university professor named Stephan Koren. he was cripple and wanted to convince me that he was a man like me.… this scum of the nation fills every healthy Austrian with such dread that the pupils of his eyes would burst at the sight.”[7]
– Peter Weibel, Actionist & Culture Commissar

“A bird is tied to a pedestal with a thin cord. I kneel in front of the bird on the pedestal and then I pour scalding wax over it. when I knock the pot of wax over with my head, the bird’s head is inundated and my right hand is doused.” [8]
– Valie Export, designer of the anti-fascistic monument in Allentsteig, Lower Austria

 

More from “The Conquest of Jerusalem” (by Hermann Nitsch, 1973)

“…the naked body of a nine-year-old girl is placed on a church bench; the sexual organ of the girl is opened and a silver tube is forced in several times. the sexual organ is torn to pieces; sugared water is poured on the bloody wound; no. o sucks out and licks up the sugared blood that pours out of the sexual organ.”[6]

party animal Toni Faber

 

Kinderland (Children’s Land)

During the Third Reich children were taught to kill birds with their own hands in a camp called Kinderland, which translates as “Children’s Land.”[9] The purpose of this procedure was to purge the children of compassion, so that they would become malleable and grow up to serve the regime as torturers and assassins.

Kinderlandverschickung_Flaggenappell_KLV-Lager

 

What’s Missing?

Monsignore Mauer

Msgr. Otto Mauer, the official “Catholic Caretaker of Souls” was the pater familias of the Actionists. With Cardinal Franz König’s benediction, he promoted the poète maudit element of the Austrian cultural scene and helped mint their spirit. Mauer in 1948, three years after the Holocaust: (Online Die Jüdische) “The Jews have immense influence on communism and capitalism. They pass themselves off as defenders of humanity…but they are nothing but a depraved people with a perverted spirit….They have been condemned to eternal damnation….They invariably choose the evil path.” [10]

 

 

Weibel exposed

Peter Weibel, who is also co-editor of the previously-mentioned Wien book. Among the highlights of the latter scholarly work are photos of co-editor Export engaging in fellatio with Weibel. Here’s a quote from the horse’s mouth: “When Valie Export sucks my cock, you can see it.”[11]

A key statement by Weibel:
“If we don’t prosper, the world will be blown up.”[12]

Featured in the Weibel-Export documentation is a report of an event in Cologne in which the editors use bullwhips, coils of barbed wire, beer bottles and ether to injure themselves, as well as members of the audience.[13]

 

Orgy & Organ (Dreams Come True)

“VALIE EXPORT is slated to design the new organ in the Pöstlingberg-Church in Linz.”[14]

And her success story is also a feature of the Jewish Museum of Vienna.
Astrid Peterle , 08.12.2015, „Hinter den Kulissen / Behind the Scenes“
„Sometimes dreams come true in a museum – that happened to me when I was infomed that was to work on a project with my favorite artist VALIE EXPORT.  Our Director Danielle Spera invited Valie Export to design a Vitrine.”

church at Pöstlingberg

– Herbert Kuhner

 

[1] Erlesen, ORF III, 22.3.216
[2] Danielle Spera: Hermann Nitsch. Leben und Arbeit, Brandstätter, Vienna 2002. p. 9.
[3] Gerhard Jaschke, Ed.: Reizwort Nitsch, Sonderzahl, Vienna, 1995, S. 20, “Einen Spaß,” from Profil, Sept. 1988.
[4] Gerhard Jaschke, Ed.: Das Rote Tuch: Der Mensch das unappetitliche Vieh, Edition Freibord, Vienna, 1988, „Wiener Aktionisten kreuzigten in Neapel Lamm – ausgewiesen“, from the Arbeiter-Zeitung, April 13, 1974.
[5] Andreas Schlothauer, Die Diktatur der freien Sexualität: AAO, Mühl-Kommune, Friedrichshof, Verlag für Gesellschaftskritik; Vienna, 1992,p. 122.
[6] Die Eroberung Jerusalems, Die Drossel, Berlin, 1977.
[7] Peter Weibel, Valie Export: Wien, Bildkompendium Wiener Aktionismus und Film, Kohlkunst Verlag, Frankfurt, 1970; Speech at the University of Vienna, June, 7, 1968.
[8] performance-art-research.de/AndereTexte.htm; Beschreibung von VALIE EXPORT in: http://www.urban-infill.com/asemie2.htm, 20.02.2004.
[9] Hitlers Kinder (Hitler’s Children), Documentation Series, No. 4, Arte TV, March 1, 2000.
[10] Hugo Löwy: “Warum Haß?“ Renaissance, No. 10, May, 1948, p. 10: quoted from a lecture by Otto Mauer on April 10, 1948 at the Volkshochschule Alsergrund for the “Circle for Christian and Jewish Problems”; also referred to in No. 18, Jan. 1949; researched by Dr. Evelyn Adunka.
[11] Axis, Interview Peter Weibel / Gerhard Petak, April 17, 1985, Vienna.
[12] Fritz Rumler: “Exhibitionisten an die Front,” Der Spiegel, No. 17, April 21, 1970, p. 194.
[13] Peter Weibel, Valie Export, eds.: Wien: Bildkompendium Wiener Aktionismus und Film, Kohlkunst Verlag, Frankfurt, 1970, p.233 & 237.
[14] Volksblatt, 5. März 2020.

-Überkonfessionelle Ereignisse

von Herbert Kuhner am 14. März 2020 um 15:25
Veröffentlicht in: Allgemein, Text

Überkonfessionelle Ereignisse

Stephanskirche Dompfarrer Toni Faber ist ein Nitsch Fan „Mit Hermann Nitsch verbindet ihn viel. Er war immer ein Fan des Künstlers und hat sogar einen Original-Nitsch in seiner Wohnung hängen.“[1]

 

„Gottes Societylöwe Toni Faber“

 

Auszüge aus Die Eroberung von Jerusalem
(von Hermann Nitsch,  Wasmuth, Tübingen; Köln, 1973)

„hat christus eine kuh getötet, legt er sich auf das am rücken liegende abgehäutete noch zuckende tier, schleckt das geschlechtsteil der kuh und steckt seine zunge tief hinein …
… hat christus einen stier getötet, legt er sich auf das am rücken liegende abgehäutete noch zuckende tier, saugt am geschlechtsteil des stieres, saugt urin heraus …
… und beisst in das geschlechtsteil des stieres … christus liegt auf dem warmen bauch des eben geschlachteten stieres und saugt das blut von jener stelle, wo er die hoden abgetrennt hat …  <
… wenn christus ausrutscht, springt nr. 38 auf ihn, steckt seinen erigierten penis in die afteröffnung von christus und begattet ihn.“

 

Nitsch und das Kreuz

„Dabei trat Nitsch mit einem Meßgewand bekleidet auf. Hanel Köck wurde unter anderem ans Kreuz gefesselt, und es wurde ihr ein künstliches Glied in ihr Geschlecht eingeführt. Dassel­be wird später von Köck in den Mund von Nitsch gesteckt. Ein aufgeklafftes Schaf, blut­nasse Gedärme eines Hasen und Rindes werden mit dem Körper der Frau in Analogie gebracht. Schließlich begattete Nitsch Köck symbolisch mit dem künstlichen Glied.“[2]

(Nitschs Partnerin Hanel Köck hat sich auch für Otto Mühl für ähnliche Veranstaltungen zur Verfügung gestellt. Im Weibel/Export Wien-Buch kopuliert sie mit Mühl im Kot.) [3]

Stephansdom, Wien

Nitsch und Tiere

„Nitsch ist der grösste Tierfreund, den ich kenne. Eine schwere Ehekrise im Haus Nitsch,
bei der ich anwesend war, entstand über eine Gelse, die von seiner Frau erschlagen worden war. Nitsch liess seinem Ärger über den sinnlosen Tod eine Lebewesens freien Lauf.“ [4]
– Danielle Spera, Direktorin des Jüdischen Museums, Wien

Profil unterstützt: „So wird Nitsch, der in seinem Leben nie ein Tier abgeschlachtet hat,
permanent als Schlächter tituliert.“[5]

Nach Zeitungsberichten hat Nitsch eigenhändig Tiere getötet.
Aus der Wiener Arbeiter-Zeitung:
„Bei einer schwarzen Messe schlachteten die Wiener Aktionisten Günter Brus, 36, seine Frau Anni, 31, Hermann Nitsch, 36, und Karl Heinz Cibulka in Neapel ein Osterlamm, kreuzigten das Tier und besudelten sich mit dessen Blut.“ [6]

„(Otto) Mühl ist spezialisiert auf Minderjährige und Sex [7] , und ich bin spezialisiert auf qualvolles Martern von Viechern [7] …  Ich könnte mir vorstellen, dass ein Mord durchaus Bestandteil eines Kunstwerks ist. [8] Das Töten war und ist ausserhalb des ethischen Urteils.“ [9]
– Hermann Nitsch

„Nitsch ist ein Sadist, ein geltungssüchtiger, autistischer Psychopathensäufer, er ist ganz narzisstisch, ein zu kurz gekommenes Muttersöhnchen. Rainer ist ein echter Schläger und Sadist. Nitsch quält dafür Leute bei seinen Aktionen, sie frieren immer. Er richtet das so ein. Ich hätte gern gewusst, wie viele da krank geworden sind, wie vieleLungenentzündung gehabt haben und wie viele gestorben sind.“[10]
– Otto Mühl

Nitsch in Eroberung weiter: „die nackte leiche eines neunjährigen mädchens wird auf eine kirchenbank gelegt; das geschlechtsteil des mädchenwird aufgeklafft; mit einer silbersonde wird mehrmals tief hineingestochen; das geschlechtsteil wird mit einem skalpell zerfleischt; zuckerwasser wird auf die blutige wunde geschüttet; nummer 0 saugt und schleckt das gezuckerte blut von dem zerfleischten geschlechtsteil.“ [11]

Valie Export, Gestalterin des antifaschistisches Mahnmals, Allentsteig, N.Ö. wortwörtlich:

„. . . auf einem podest wird ein vogel mit dünnen schnüren befestigt. ich knie vor dem vogel auf dem podest und übergieße ihn mit flüssigem, heißem wachs, dann übergieße ich meine füße und meine linke hand mit wachs, die rechte hand wird durch das umstoßen des wachsbehälters mit dem kopf über-gossen (sic!). ich befreie mich dann durch ausschneiden der hände mit einem messer, welches ich mit dem mund vom podest aufgehoben habe und zum ausschneiden, vom mund gehalten, benütze. rund um das podest ist ein kreis von nägeln gezogen. auf der zivilisatorischen hochebene des podestes spielt sich das drama des menschen als bildner ab.“[12]

 

Kinderland

Während des Dritten Reiches sind im Erziehungslager „Kinderland“ die Kinder von den Nationalsozialisten trainiert worden, Vögel eigenhändig zu töten. [13]

 

Kinderlandverschickung_Flaggenappell_KLV-Lager

 

Vergangene Tage

Zitat Msgr. Otto Mauer, pater familias der Aktionisten, 1948, drei Jahre nach dem Holocaust:
„Die Juden haben grossen Einfluss auf den Kommunismus und auf den Kapitalismus … Sie spielen sich auf als Verteidiger der Humanität … während sie nichts anderes als wie ein unsittliches Volk mit einem pervertierten Ungeist sind …  Sie seien zur ewigen Verdammnis verurteilt … sie wählen immer nur das Böse.“ [14]

Monsignore Otto Mauer

 

Bildkompendium

Peter Weibel und Valie Export sind Mitherausgeber von Bildkompendium Wiener Aktionismus und Film. Ein Höhepunkt dieses Werkes sind Fotos der Mitherausgeberin Valie Export bei der Fellatio mit Weibel.

Der Herausgeber wortwörtlich:
„Als Valie Export meinen Schwanz lutschte könnte man es sehen.“[15] Ebenso ist eine „Aktion“ in Köln dokumentiert, veranstaltet von Weibel und Export, wo die Aktionisten sich und das Publikum mit Ochsenschwanzpeitschen schlagen. Schließlich sind Stacheldrahtballen, Bierflaschen und Äther ins Publikum geworfen worden.[16]

 

Orgie & Orgel

„Valie Export soll die neue Orgel in der Linzer Pöstlingbergkirche gestalten.“ [17]

Sie ist auch zuhause in dem Museum in der in der Dorotheergasse: KuratorInnen Astrid Peterle, 08.12.2015.

Hinter den Kulissen, Jüdisches Museum Wien:
„Ich erfuhr, dass ich mit einer meiner Lieblingskünstlerinnen, VALIE EXPORT, für ein Projekt zusammenarbeiten darf. Unsere Direktorin Danielle Spera hat VALIE EXPORT eingeladen,
als überhaupt erste Künstlerin eine Intervention im Schaudepot des Museums in Form einer Vitrine einzurichten.“

Pöstlingbergkirche

 

– Herbert Kuhner

 

[1] Erlesen, ORF III, 22.3.216
[2] Peter Weibel: „Ein deutscher Krimi“, Der Standard, 19. April 1989, Wien, S. 23.
[3] Peter Weibel: „Ein deutscher Krimi“, Der Standard, 19. April 1989, Wien, S. 23.
[4] Danielle Spera: Hermann Nitsch. Leben und Arbeit, Brandstätter, Wien, 2002, S. 9.
[5] Profil, Sept. 1988.
[6] Gerhard Jaschke, Hrsg.: Das Rote Tuch: der Mensch, das unappetitliche Vieh, Edition Freibord, Wien, 1988, S. 143, „Wiener Aktionisten kreuzigten in Neapel Lamm – ausgewiesen“, aus der Arbeiter-Zeitung, 13. April 1974.
[7] Falter 24-30. 7, Nr. 30, 1998, S. 18.
[8] Falter 24-30. 7, Nr. 30, 1998, S. 18.
[9] Gerhard Jaschke: Das rote Tuch, aus Paula Devarney: „Nitsch: Art of Killing“, Caellian, 9. Okt. 1970.
[10] Andreas Schlothauer: Andreas Schlothauer: Die Diktatur der freien Sexualität: AAO, Mühl-Kommune, Friedrichshof. Cover. Andreas Schlothauer. Verlag für Gesellschaftskritik, 1992, S. 141-142.Die Diktatur der freien Sexualität, S. 122.
[11] Die Eroberung von Jerusalem, Die Drossel, Berlin, 1977.
[12] performance-art-research.de/AndereTexte.htm; Beschreibung von VALIE EXPORT in: http://www.urban-infill.com/asemie2.htm, 20.02.2004.
[13] Hitlers Kinder, Dokumentationsreihe, Folge 4, Arte TV, 1. März 2000.
[14] Hugo Löwy: „Warum Hass?“, Renaissance, Nr. 10, Mai, 1948, Wien, S.10, zitiert aus einem Vortrag Otto Mauers vor einem “Kreis für gemeinsame christliche und jüdische Probleme“ in der Volkshochschule Alsergrund am 10. April 1948; auch erwähnt in Nr. 18, Jan. 1949; Hinweis: Dr. Evelyn Adunka.
[15] Axis, Interview Peter Weibel / Gerhard Petak 17. April, 1985, Wien.
[16] Peter Weibel, Valie Export: Wien: Bildkompendium Wiener Aktionismus und Film: Kohlkunst Verlag, Frankfurt, 1970, S. 233 u. 237.
[17] Volksblatt, 5. März 2020.

-Es ist alles so kompliziert (© Martin Luksan)

von Herbert Kuhner am 14. Februar 2020 um 2:06
Veröffentlicht in: Allgemein, Text

Es ist alles so kompliziert
© Martin Luksan Okt.2019
Herbert Kuhners Geschichte ist die des jüdischen Autors und Übersetzers, der nach Wien zurückkehrte und vom Betrieb der Literatur mehr oder weniger „ausgeschlossen“ wurde. Warum und in welcher Weise ist interessant. Man sollte seine Geschichte auch dann ernst nehmen, wenn man erkennt, dass es auch die Lebensgeschichte eines Verkannten ist, der die Schuld für Misserfolg ausschließlich bei anderen Menschen sucht. Denn sie beschreibt deutlich das Funktionieren von Konformismus in einer Welt der Schein – Autonomen und über den „Betrieb“ hinaus die verspätete Aneignung der Kunstmoderne in Österreich.

Martin Luksan

Flucht der Familie 1939 aus der “Ostmark“, mit dem Kind Herbert Kuhner, das sämtliche Verwandte, die nicht emigrierten, durch den Holocaust verlor. Herbert wurde Amerikaner, besuchte die Elite Lawrenceville Preparatory School in New Jersey und studierte dann Literatur an der Columbia Universität in NYC. Er fasste sogar den Beruf des Dichters ins Auge, doch seine für Macmillan Publishers bestimmten Gedichte und Roman wurden durch Zufall, nicht durch Ablehnung, nicht publiziert. In dieser Zeit zwischen Studium und Remigration hatte er Österreich nicht nur durch den Holocaust, sondern auch durch „Das österreichische Wort“ vor Augen. Er war ein Schöngeist, von Anfang an, liebte die alte Penn Station in NYC und kaufte dort die Taschenbücher des Grazer Stiasny Verlags und las sie in einem Kaffeehaus und in einer Bibliothek im Obergeschoss des Bahnhofs für die Intercity-Züge (Die Pennsylvania Station wurde später abgetragen und neu errichtet). Seine wichtigste Idee war, den einen oder anderen Autor jenes österreichischen Verlags ins Englische zu übersetzen.

Er hatte die österreichische Gesellschaft falsch vor Augen. Er stellte sie sich so geradlinig und offenherzig vor wie einen Konflikt, den er bei Macmillan selber miterlebt hatte. Ein Autor war gegen seinen Lektor handgreiflich geworden, dieser hatte ihn aus seinem Büro hinausgezerrt und ihm ein Kleidungsstück nachgeworfen. Doch in Wien wird die Brutalität psychisch, nicht physisch gelitten. In der Tat gab es hier höchstens eine – theaterhafte – Ohrfeige von Käthe Dorsch für Hans Weigel, und auch das war eine rare Ausnahme gewesen. Sohn und Mutter Kuhner entschlossen sich, nach Wien zu gehen, wobei sie naturgemäß Restitution im Auge hatten, denn das Haus der Familie im 2. Bezirk war weggenommen worden. Aber auch die Chancen eines Übersetzers, der österreichische Autoren auswählt und im englischen Sprachraum bekannt macht, spielten bei der Übersiedlung eine Rolle. Es kam dann anders, die Restitution konnte nicht gemacht und der hohe Anspruch eines jungen Übersetzers nicht eingelöst werden. Aber Kuhner lernte die Vertreter des Wiener Kulturbetriebs eher schnell als langsam kennen. Vor allem Jeannie Ebner, die in allen Gremien saß, und Wolfgang Kraus, der die Literaturgesellschaft (ÖGL) gegründet hatte. Und auch mit Otto Mauer, der die neueste Avantgarde – Malerei durch religiöse Mystik deutete, wurde er bekannt.

Die 1960 er Jahre waren eine Zeit, in der die Avantgarde schon sehr rege war, aber keine Öffentlichkeit bekam. Die Zeitungen und der monopole Rundfunk ignorierten sie fast völlig. Das heißt, dass vom Wiener Aktionismus und von der Wiener Gruppe die österreichischen Medien auf vernünftige Weise nicht berichteten. Man konnte manchmal den einen oder anderen Namen lesen, ihn aber als Leser ohne Kenntnisse von Moderner Kunst nur mit dem Bild eines Dilettanten oder Sittenstrolches verbinden.

H.Kuhner

Nun hat der konservativ empfindende Herbert Kuhner die Wiener Avantgarde von Damals nicht auf Herz und Nieren geprüft. Er ging ihr aus dem Weg und belastete sie auch nicht durch den Gedanken, der falsch ist und den er später manisch vertrat, dass sie mitten in der Kunst den NS Geist der Zerstörung reaktiviert. Das kam später. Ende der 1960 er war Kuhner noch kein Kämpfer gegen Ungeist und verkappten NS, sondern nur ein ästhetisch Konservativer, der das Neue manchmal an sich heran ließ. Andernfalls wäre er nicht nach Berlin gereist, um die Vertreter des Wiener Aktionismus, die nach Berlin emigriert waren, zu besuchen. Seine dortigen Begegnungen waren so desaströs, dass er sie in einem polemischen und witzigen Text verewigte. In „DA–DA GA–GA KA–KA, Duck Dich! Die Zukunft überrollt uns! “, erschienen – mit zeitlicher Verspätung – in Reinhard Federmanns „Pestsäule“ (Nr. 1, Sept. 1972, S. 69 – 74).

Ab dem Moment, schreibt Kuhner, „war ich in Österreich kein Unbekannter mehr. Da ich die heiligen Kühe der österreichischen Kulturszene literarisch abgeschlachtet hatte, war ich als ´Reaktionär und Faschist´ entlarvt. Sie haben gerade Selbstmord begangen, erklärte mir der Kulturredakteur des katholischen, intellektuellen Wochenblattes“ (H.K., „Der Ausschluss“, Ed. 39, Wien 1988, S. 46) „Die Pestsäule“ hatte nur eine kleine Auflage, doch alle, die es anging, und einige, die auch das Neue versuchten, und alle, die es förderten, lasen den besagten Text. Sie notierten sich Kuhner auf einer schwarzen Liste, die es vor 1970 gar nicht gegeben hatte. Doch jetzt war ein „Wandel des Kulturklimas“ passiert und der ästhetische Neuanfang musste absolut gut gefunden werden, damit das Land Österreich nicht als Kulturprovinz erschien.

Der Text von Kuhner wurde also kritisiert und in jeder Kritik der Kritik wurde sein Name weggelassen. Während dem Außenseiter so die Öffentlichkeit genommen wurde, wurde sein Name im Fachbereich abwertend verbreitet. Kuhner erlebte die Distanzierung von seinen Projekten, sei es eine Anthologie, eine Übersetzung, eine Lesung, die stets unerwartet und begründungslos erfolgte. ZB. wurde einem Maler, bei dessen Vernissage er aus seinen Texten lesen sollte, der Ausschluss aus Galerien sowie das Ende der Berichterstattung in Kunstzeitschriften angedroht. Das könnte man heute rechtlich verfolgen, wenn die Drohung etwa durch einen Brief geschah, doch in den 1970ern gabs nichts dagegen. Konformismus hat etwas Teuflisches an sich, weil er auf dem freien Willen mehrerer oder vieler Einzelner beruht, die sich konform verhalten und gleichzeitig den Druck leugnen.

1975/76 wollte Wolfgang Kraus die Teilnahme von Herbert Kuhner an einem australischen Poesie–Festival verhindern. Er war damals nicht nur Präsident der ÖGL, sondern auch Kultur – Koordinator im Außenamt. Durch ein „literarisches Gutachten“ kappte er die Entsendung Kuhners nach Adelaide. Das Wort „ungeeignet als Künstler, Österreich zu vertreten“ wog schwerer als die Nichtbezahlung der Reisespesen. „Die Regierung Ihres Heimatlandes“, schrieb die Festival–Leitung in Adelaide, „hat es abgelehnt, Sie nach A. zu senden. Sie scheinen bei denen recht unbeliebt zu sein.“ So fuhr der Außenseiter auf eigene Kosten. In Australien hatte er mehrere Lesungen und außerdem Kontakt zu der Zeitschrift“ Index“, in der er dann die Machenschaften von Kraus auflistete.

W. Kraus hat einem Autor geschadet, nur weil dieser die wilden Aktionisten kritisierte? Kaum zu glauben, aber so war es. Der konservative Wolfgang Kraus, der zB. die „Alte Schmiede“ als Konkurrentin der ÖGL missverstand, wollte der ihm fremden „roten Macht“ offenbar einen Dienst erweisen. Jemandem helfen, der Hilfe nicht braucht, in der Hoffnung, dass sich dieser positiv revanchieren wird, – ist die ekelhafte, aber effiziente Art des Karrieristen. Und dieser umtriebige Kulturfunktionär mit dem eingepflanzten Lächeln und den fabelhaft betitelten Sachbüchern, die ganz langweilig zu lesen sind, setzte seine eigene Rolle über alles andere (die Zeitgeschichte wird ihn vielleicht noch als Thema erkennen, so wie den Radiodirektor Rudolf Henz).

Die Kritik an Kraus in einer ausländischen Zeitung aktivierte ein ganzes Ministerium. Der Einzelne kritisierte hier den Fehler einer einzelnen Person und hatte auf einmal die ganze Institution gegen sich. Kuhner erhielt eine Einladung ins Außenamt, um dort die Sache, die so groß nicht war, durch ein Gespräch zu bereinigen. Das glückte nicht und in einer zweiten Sitzung, in der wieder Kraus fehlte, sollte Kuhner einfach ein Schuldgeständnis unterschreiben. Der Tapfere stand auf und ging und Tage später kam ein anonymer Anruf: „Herr Kuhner, wenn Sie Ihre Sache nicht einstellen, werden wir den Amtsarzt schicken.“

Kuhner wurde als „Psychopath“ verleumdet. Er, der bereits als „Provokateur“ und „schlechter Autor“ gehandelt wurde, musste jetzt Autoren und sonstige Mitarbeiter bei seinen Lyrik-Anthologien von der seelischen Geradlinigkeit seines Charakters überzeugen. Das ist wohl stets gelungen. Doch in einem Punkt hatte sich seine Weltsicht verengt. Er sammelte Material über die Kunstavantgarde und deutete sie einseitig und schwarz. Gerade damals traten die Vertreter der besagten Moderne in den internationalen Galeriebetrieb ein und wurden also auch in Österreich akzeptiert. Nicht von der Bevölkerung, von den Maßgeblichen. Von den Leuten, auf die es in einem Betrieb ankommt. Eben noch ignorierte und geächtete Künstler tauchten im Kunstverständnis der Großparteien auf (A. Rainer und H. Nitsch bei ÖVP, P. Weibel und O. Mühl bei SPÖ).

Heute sieht Kuhner die symbolische Gewalt in der Kunst nicht als Bruch im Werk oder als Austritt aus der Ästhetik, sondern als Zerstörung des Geistes schlechthin. Dabei klammert er sich an H- Niktsch, der Tiere auf der Bühne schlachtete und die ärgsten Sprüche von sich gab, aber auch an V. Export, die einen Vogel mit heißem Wachs begoss. In der Regel waren die Aktionen der Schock – Künstler auf symbolische Gewalt beschränkt. Kuhner aber, der Zeugnisse für symbolische (und echte) Gewalt fanatisch sammelt, will im Aktionismus nicht Unfug und Schwindel festgestellt wissen, sondern Gewaltlust und Nazigeist. „Die Sache läuft blendend“, schreibt er, „Die Aktionisten agieren als Antifaschisten/ Und haben als Künstler internationale Anerkennung errungen/ Und du kommst her und versuchst, alles zu vermiesen. / Kein Wunder, dass sie den Kritiker ausschalten wollen.“ (H.K., In: Die Nachwirkungen vergangener Tage) Was tatsächlich geschah, war komplizierter als Kuhner denkt. Die Mühl und Nitsch bezeichneten ihre Kritiker als „Nazis“, als „Nazispiesser“ und als „Ehemalige“. Das war für Kuhner, der die Nazis schockhaft erlebt hatte, die wahre Provokation. „Ich habe das Dritte Reich“, schreibt er, in sehr jungen Jahren erfahren/ Und bin jetzt dabei, Nachkriegsösterreich als Remigrant zu erleben. / Vielleicht kann ich dadurch manches schärfer erleben.“ (a.a.O.)

Im Nebel der Nazi – Metapher wird aber alles unklar. Vielleicht ausgenommen Otto Mühl, der eine Zeitlang Krüppel erschießen wollte, hatte das Schwatzen und Agieren der Aktionisten mit typischer Nazi – Gewalt nichts zu tun. Ihre Forderung nach Freiheit der Kunst war ein Ärgernis, aber das Schlachten von Tieren, das Verspritzen von Blut und Eingeweiden, der sexuelle Missbrauch und das Sich-Wälzen-im-Kot waren nicht typisch für Nazigewalt. Gewalt ist hier mit Orgie und Libertinage bildhaft verknüpft. Sie ist nicht verknüpft mit der Gaskammer und dem SS Mann, der sich vor dem Leichenberg übergibt. Leider hält Kuhner an der Nazi – Metapher fest und der eine oder andere Philosoph gibt ihm recht: „ich glaube tatsächlich, dass in der gesamten Kunstszene eine Nachfolge dieses Regimes (Hitler – Regime, Anm. M.L.) gegeben ist, denn sie ist die einzige erlaubte Diktatur in diesem Land.“ (H. Kohlenberger in dem Film „Das Meisterspiel“ von Lutz Dammbeck). So wird auch die Freiheit der Kunst unzulässig strapaziert, sie soll echte Diktatur ermöglichen.

In seiner Klage gegen das Unrecht erkundigte sich Kuhner, „ob ich meinen Fall internationalisieren könnte. Man erklärte mir, dass dies nur möglich sei, wenn der Fall vorher vom Österreichischen VGH behandelt worden sei. Dr. Starr meinte, dass ein solches Verfahren Jahre dauern könnte (…) Während die Travestie des Außenamtes ihren Lauf nahm, schrumpfte die Zahl meiner Autoren-Freunde. Schließlich konnte ich sie an einem Finger abzählen.“ (H.K., Die Ausschließung, S. 88) Der offenbar letzte Freund diskutierte die Sache gut und gern. Er war in einer „Liga für Menschenrechte“ tätig und brachte dennoch den Fall Kraus/Kuhner in seinem Verein nicht zur Sprache. Er hielt ihn für ein Missverständnis. Für die Mischung aus Missverständnis und Gemeinheit bezahlte Kuhner mit viel Zeit, Geld und Leid.

Der sture und unbelehrbare Herbert Kuhner ist in eine Sackgasse geraten, aus der man nur durch Nachdenken herauskommt. Er hat zu viel Pech und Unrecht erlitten. Er hat die Kunstavantgarde in dem Moment kritisiert, als sie in Österreich – politisch – aufgewertet wurde. Ein leerer Karrierist, der nur seine Macht zeigen wollte, hat Kuhner aus der Bahn gedrängt. Und ein Milieu freiberuflicher Autoren, bei denen man echte Autonomie vermuten würde, hat ihn durch Konformismus zusätzlich isoliert. Nur da und dort, nicht in jedem Buch, stiess Kuhner zur Poesie durch. Sein Übersetzen konnte er nicht im großen Ausmaß betreiben. Er wäre der Richtige dafür gewesen, eine gute, unbekannte, europäische Lyrik im englischen Sprachraum zu verbreiten. Leider kam es anders.

© M.Luksan, Oktober 2019

 

-“Fine” Klu-Kluxers and Others

von Herbert Kuhner am 2. Februar 2020 um 16:46
Veröffentlicht in: Polemics, Politics, Text

“Fine” Klu-Kluxers and Others

During a Klu-Klux-Nazi rally in Charlottesville on August 11 to 12, 2017,
civil rights activist Heather Heyer was killed when a Klu-Kluxer
rammed his car into anti-fascist demonstrators.

Donald Trump comments:
“You had people that were very fine people on both sides.”

Why be “soft” on Klu-Kluxers and US-Nazis?
You don’t want to chase voters away, do you, Don?
No sir! They may be a bit put off by the fact
that Don has non-Aryans in the family,
but then nobody’s perfect.

Klu-Kluxers

“You know what I am? I’m a nationalist, OK? I’m a nationalist.”
(Thank you Don! At last a true word! – Actually ten words.
We’ve been waiting. And we have not been waiting in vain.)

And good old Don has the one-“staters” in the bag
by establishing the US Embassy in Jerusalem
with David Friedman as Ambassador.

Friedman on Jewish two-staters: „They are far worse
than Kapos – Jews who turned in their fellow Jews
in the Nazi death camps.”

And here’s Bibi on his best friends:
I know what America is”
America is a thing you can move very easily,
move it in the right direction.
They won’t get in our way…

And Don is certainly not in Bibi’s way.

Bibi & Don

Don and Bibi have a piece plan for the Palestinians.
They can sort of have a state which is peppered with settlements
that may be a bit larger than the grains of that condiment.

You have to hand in to Don. He’s a terrific Don.

And here’s a history lesson from our eminent historian:
“Hitler didn’t want to exterminate the Jews at the time,
he wanted to expel the Jews.” He got the idea from the Mufti of Jerusalem.
Here’s Bibi’s report: “Haj Amin al-Husseini went to Hitler and said,
‘If you expel them, they’ll all come here.’”
“So what should I do with them?” Hitler asks.
“Burn them!” the Mufti replies.

I guess Hitler replied, “Why that’s a splendid idea.
Why didn’t I think of that?
Thank you so much, Haj Amin, my dear friend!”

And thank you, Bibi, for filling us in.
We will now set about rewriting history.
‘Cause we thought it was Hitler’s idea.

If you laugh at this absurdity,
the laughter chokes in your throat.

I just want to tack this on to show
what helps give Don and Bibi free reign.
Hamas’ Motto is “We love death
more than you love life.”

“How do you negotiate with people who believe
that the only way they can get to Heaven
is in little pieces”?
– The Economist

 

-Herbert Kuhner

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Herbert Kuhner ist Übersetzer von neun Sammlungen österreichischer Lyrik, darunter Austrian Poetry Today / Österreichische Lyrik heute. Schocken Books, New York; Carinthian Slovenian Poetry, Hermagoras Verlag, Klagenfurt / Slavica Publishers, Columbus, Ohio; Hawks and Nightingales: Current Burgenland Croatian Poetry, Braumüller Verlag, Wien / Slavica Publishers, Columbus, Ohio.

Contact

Prof. Herbert Kuhner
Writer/Poet/Translator
Gentzgasse 14/4/11
1180 Vienna
Austria
emails: herbert.kuhner@chello.at
T +43 (0)1 4792469
M +43 (0)699 11865704


see also:
wienerblut (third reich recycled)
www.harrykuhner.at (Harry´s Memoir)

A Review of
Harry Kuhners Jazz Poetry
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